Αυτό που αγαπώ στη δημιουργία είναι ότι δεν υπάρχουν όρια, ούτε κανόνες· μου επιτρέπει να επανασυνδεθώ με το παιδικό μου θαύμα, να παίξω, να εξερευνήσω, να ακολουθήσω τη διαίσθησή μου και να δω πού θα με οδηγήσει. Το να δημιουργώ με τα χέρια μου μου προσφέρει μια εσωτερική γαλήνη που τίποτε άλλο δεν μπορεί να μου δώσει. Αγαπώ να μαθαίνω καινούργια πράγματα, να δοκιμάζω, να αποτυγχάνω και να προσπαθώ ξανά. Είναι πραγματικά μια μεταδοτική ενέργεια το να δημιουργείς κάτι από το τίποτα. Η μία ιδέα οδηγεί στην άλλη και μετά στην επόμενη. Ενθουσιάζομαι τόσο πολύ που ανυπομονώ για την επόμενη μέρα.
Δεν υπάρχει εγχειρίδιο για το πώς να είσαι δημιουργικός και απαιτείται τεράστιο θάρρος για να είσαι ευάλωτος και να συνεχίζεις να εκτίθεσαι. Υπάρχει πολλή απόρριψη, που γεννά αμφιβολία για τον εαυτό σου. Χρειάζεται πολλή εσωτερική δουλειά για να παραμένεις θετικός. Τα τελευταία δέκα χρόνια έχω μάθει να εμπιστεύομαι το ένστικτό μου, να αποφεύγω καταστάσεις που μου απορροφούν την ενέργεια και να συνεργάζομαι μόνο με καλούς ανθρώπους. Όταν έρχεται ένα «όχι», έχω μάθει να λέω στον εαυτό μου: «εντάξει, δεν είναι οι άνθρωποί σου — τώρα πήγαινε να βρεις εκείνους που είναι».
Το athens__mon_amour γεννήθηκε ως μια πράξη καταγραφής και διατήρησης — ένα οπτικό αρχείο μιας παλαιότερης Αθήνας, μιας Αθήνας που σιγά-σιγά χάνεται, κάτω από το βάρος της άκριτης και αναισθητικής εξευγένισης, ιδιαίτερα στο κέντρο και γύρω από αυτό.
Η Αθήνα είναι μια συμφωνία χάους, μια πόλη με παλμό που αρνείται πεισματικά να σωπάσει. Φορά τις ατέλειές της σαν παράσημο τιμής, με την ανθεκτικότητά της χαραγμένη στα πρόσωπα των ανθρώπων της. Και το φως της — άφθονο, κατακλυσμιαίο, φιλόξενο… εθιστικό.
Υπάρχει ατελείωτη ομορφιά στη μελαγχολία αυτών των ερειπωμένων κτιρίων που συναντώ. Η κατάστασή τους, όσο σπαρακτική κι αν είναι, μπορεί ταυτόχρονα να εμπνεύσει το όνειρο — να φανταστεί κανείς τις ζωές που έζησαν εκεί, τις αγάπες που εκτυλίχθηκαν, τα γέλια που αντήχησαν μέσα σε αυτούς τους τοίχους. Το φως διαπερνά τα σκονισμένα παράθυρα, μεταμορφώνοντας την εγκατάλειψη σε κάτι σχεδόν ιερό.
O απίθανα δημιουργικός πλανήτης της κεραμίστριας Μaria Economides είναι γεμάτος πάθος και έμπνευση
Πάντα με έλκυαν οι χειροτεχνίες, το πλέξιμο, η ξυλογλυπτική, η ζωγραφική, ο πηλός. Από πολύ μικρή ηλικία ένιωθα την ανάγκη να κρατώ τα χέρια μου απασχολημένα. Σε μια ευάλωτη στιγμή της ζωής μου, ο πηλός με άλλαξε· ήταν σαν να με διαμόρφωνε την ίδια στιγμή που τον διαμόρφωνα κι εγώ. Έμοιαζε με έναν διάλογο, όπου και οι δύο ανακαλύπταμε τον εαυτό μας.
Με τον καιρό, αυτή η σχέση βάθυνε. Έχουμε γίνει ένα καταλαβαίνουμε η μία την άλλη απόλυτα. Ξέρω πότε να τον αγγίξω, πότε να τον αφήσω να ξεκουραστεί, πότε να τον εμπιστευτώ. Είναι μια σιωπηλή συνύπαρξη, μια συνομιλία χωρίς λόγια. Δημιουργώ όλα μου τα αγγεία εξ ολοκλήρου στο χέρι, χρησιμοποιώντας ελάχιστα εργαλεία. Δουλεύω αργά, αφήνοντας τον πηλό να με οδηγήσει προς τη μορφή του. Τα έργα μου είναι λεπτά και ελαφριά, φτιαγμένα για να κρατηθούν και να αγκαλιαστούν. Μοιάζουν να έρχονται από μια άλλη εποχή, κι όμως κουβαλούν ένα σύγχρονο πνεύμα.
Μέσα από τη δουλειά μου μιλώ για τη μνήμη, τον χρόνο και τη συνέχεια. Κάθε αγγείο φέρει ένα κομμάτι μου και όταν ταξιδεύει στο εξωτερικό, νιώθω σαν να ταξιδεύω κι εγώ μαζί του. Είναι ένας όμορφος τρόπος να υπάρχω παντού. Η ομορφιά και η δύναμη του πηλού διαρκούν πολύ περισσότερο από εμάς. Και αυτό μου δίνει ελπίδα ότι μέσα από τα αγγεία μου, ένα μικρό κομμάτι μου θα παραμείνει για πολύ, πολύ καιρό.
Εξελίχθηκα περισσότερο ως παρατηρητής παρά ως «designer». Η μόδα μού έδωσε ένα πεδίο δράσης — χωρίς ακαδημαϊκή γνώση του αντικειμένου και χωρίς να με απασχολεί το εφήμερο. Αντίθετα, με ενδιέφεραν το σταθερό, το φορτισμένο, το επαναλαμβανόμενο με νόημα. Δημιουργικά, έμαθα να στέκομαι μέσα στην αλληλεπίδραση: στο πώς το υλικό, ο δημιουργός, ο χρήστης και ο χρόνος συνομιλούν. Η δημιουργία, για μένα, μοιάζει περισσότερο με επιμέλεια έκθεσης παρά με design με την παραδοσιακή έννοια. Συνδέω πράγματα. Επιλέγω, απορρίπτω, δομώ. Είναι μια μορφή σύνθεσης που μοιάζει περισσότερο με γραφή παρά με «παραγωγή».
Αν υπάρχει κάποιο «μυστικό», ίσως είναι η επιμονή στο να ακούς. Όχι μόνο την αγορά, αλλά και το υλικό, τον χρόνο, τις λεπτομέρειες. Προσπαθώ να μη δημιουργώ «θόρυβο». Θέλω κάθε αντικείμενο που φτιάχνουμε να έχει λόγο ύπαρξης και να μπορεί να σταθεί πέρα από τον χρόνο του. Με ενδιαφέρει η έννοια της συνάφειας ως θέση παρατήρησης, όχι ως στόχος. Και πιστεύω ότι ουσιαστικό έργο είναι εκείνο που παραμένει σιωπηλά στη ζωή του άλλου και συνεχίζει να σημαίνει κάτι πολύ μετά τον αρχικό ενθουσιασμό.
Η τέχνη μαθαίνεται. Προφανώς υπάρχει ένα ταλέντο που θέλει να τρέφεται διαρκώς. Χρειάζεται αυτοκριτική, αμφισβήτηση, αλλά και επιβράβευση. Τα χρώματα τα χειρίζομαι ενστικτωδώς και ανάλογα με τη διάθεσή μου. Υπάρχουν σίγουρα τεχνικές που με ενδιαφέρει να μάθω, αλλά και άλλες, δικές μου, που εξελίσσω.
Πάνω απ’ όλα, είναι η περιέργεια· η ανάγκη να παραμένω δημιουργικός, ζωντανός και χρήσιμος. Το ζήτημα της δουλειάς είναι πολύ σημαντικό για μένα, το να δημιουργώ τις συνθήκες ώστε να έχω κάτι να κάνω. Η έμπνευση ή μια ιδέα μπορεί να με βρει οπουδήποτε: σε μια σκέψη, μια εικόνα, μια εμπειρία. Την καταγράφω γραπτώς ή στο μυαλό μου και τη δουλεύω με ένα (προ)σχέδιο. Το σημαντικό είναι να ασχολούμαστε με αυτό που ονομάζουμε σχέδιο ή ζωγραφική σχεδόν καθημερινά.
Στο έργο μου, οι κύκλοι και τα ημικύκλια προέρχονται από τον μοντερνισμό και το design — από τον Ben Nicholson και τον Calder, τα έπιπλα του Gio Ponti, τα γλυπτά του Anthony Caro και τις καθαρές φόρμες του σπουδαίου εικονογράφου και γραφίστα Paul Rand.
Νικομάχη: Δεν αντιλαμβάνομαι τα χαλιά ως αντικείμενα για το σπίτι, αλλά ως έργα τέχνης — και πράγματι είναι έργα τέχνης, μοναδικά. Για μένα έχει ιδιαίτερο ενδιαφέρον το γεγονός ότι, για πρώτη φορά στα δισδιάστατα έργα μου, προσκαλώ τον θεατή να τα αγγίξει, να τα χαϊδέψει. Κάτι που συνήθως συμβαίνει μόνο στα γλυπτά μου. Γιατί μόνο έτσι μπορεί κανείς να τα αισθανθεί πραγματικά. Αυτό που συνέβη, νιώθω, είναι ότι για μια στιγμή άλλαξα το υλικό μου: από το νερό και το μελάνι, πέρασα στο μετάξι. Πρόκειται για μια μετάφραση ενός ήδη υπάρχοντος ζωγραφικού έργου μέσα από ένα άλλο υλικό, σε κάτι διαφορετικό.
Ηλέκτρα: Το έργο της Νικομάχης διαθέτει μια εσωτερική γαλήνη, μια ποιητική ένταση που θελήσαμε να αποδώσουμε όπως ακριβώς είναι. Κάθε χαλί φέρει αυτή την ενέργεια — μια ρευστή ισορροπία ανάμεσα στο φως και τη σιωπή, την κίνηση και το νερό. Είναι σπάνιο και βαθιά συγκινητικό να συναντάς ανθρώπους με τους οποίους μοιράζεσαι έναν κοινό αισθητικό κώδικα. Δεν χρειάζονται πολλές εξηγήσεις· υπάρχει αμοιβαία κατανόηση. Η συνεργασία μας υπήρξε ένα παράδειγμα αυτού του «συντονισμού» — μια δημιουργική συνομιλία που εξελίχθηκε με εμπιστοσύνη, σεβασμό και κοινό ρυθμό, και μετατράπηκε σε μια πολύτιμη φιλία.
Συχνά αναρωτιέμαι τι είναι αυτό που μας κάνει να επιστρέφουμε στις ρίζες μας. Είναι η ανάγκη να θυμηθούμε ή η ανάγκη να συνεχίσουμε; Ίσως και τα δύο. Από αυτό το ερώτημα γεννήθηκε η Geneteira. Δεν ξεκίνησε ως ένα project ή μια επαγγελματική φιλοδοξία, αλλά ως μια εσωτερική ανάγκη να κρατήσω ζωντανό ό,τι με διαμόρφωσε: τη φωνή της γιαγιάς μου, το φως της Κρήτης, τις ιστορίες που ακούγονταν γύρω από ένα τραπέζι.
Μεγάλωσα στο Ρέθυμνο, σε μία από τις παλαιότερες οικογένειες του τόπου, όπου κάθε αντικείμενο είχε τη δική του ιστορία. Το σπίτι μας ήταν γεμάτο οικογενειακά κειμήλια, κοσμήματα, χειροτεχνήματα, ξυλόγλυπτα και παλιά έπιπλα που περνούσαν από γενιά σε γενιά. Αυτή η αλυσίδα μετάδοσης — από τη γιαγιά στη μητέρα και από τη μητέρα σε μένα — έγινε η αφορμή να κατανοήσω τι σημαίνει πραγματικά η λέξη «πατρίδα». Δεν είναι μόνο ο τόπος όπου γεννιόμαστε, αλλά και ο τρόπος με τον οποίο συνεχίζουμε να υπάρχουμε μέσα από τους ανθρώπους μας, τις ιστορίες τους και τη μνήμη τους. Όταν απέκτησα την κόρη μου, η ανάγκη να της μεταδώσω αυτή την κληρονομιά έγινε ακόμη πιο έντονη.
Στην πραγματικότητα, το ελληνικό design έχει τη δύναμη να μιλήσει σε κάθε κουλτούρα — ιδίως όταν αντλεί έμπνευση από τη δική μας κληρονομιά και τη συνεχίζει δημιουργικά. Αν υπάρχει κάτι που καλούμαστε να ξεπεράσουμε, είναι ο ίδιος μας ο εαυτός· η τάση μας να υιοθετούμε αυτούσια στοιχεία από τον σχεδιασμό άλλων χωρών και δημιουργών. Ίσως το να τα αφομοιώνουμε και να τα μεταπλάθουμε, αντί να τα καταναλώνουμε άκριτα, να αποτελεί μια πιο ουσιαστική και εναλλακτική προσέγγιση.
Η Ελλάδα είναι το μάρμαρο, το λευκό, τα κυπαρίσσια, τα μικρά τηγανητά ψάρια με κρεμμύδι σε μια ταβέρνα, το γλυκάνισο, τα κεραμικά, τα στρογγυλά βότσαλα, οι βράχοι, τα κύματα, ο ουρανός με το δικό μας μπλε. Είναι οι κότσυφες κρυμμένοι στις κουμαριές, τα γλυκά του κουταλιού από σταφύλι, τα ασβεστωμένα παρτέρια, οι πέτρινοι τοίχοι, το σπιτικό ψωμί, τα θαμμένα αγάλματα, τα μικρά φώτα στο βάθος, οι αυλές, το ελαιόλαδο, τα τραγούδια. Είναι όλα όσα γεννιούνται από το ταλέντο, τη φύση και την καλοσύνη των ανθρώπων της. Και είναι πολλά.
Ο κόσμος δεν είναι μόνο αυτό που βλέπεις, αλλά και ο τρόπος με τον οποίο τον φωτίζεις μέσα σου. Πάντα με γοήτευε η κίνηση του χρόνου πάνω στα πράγματα, η φθορά, οι ρυθμοί της φύσης, το σώμα μέσα στον χώρο. Αναζητούσα διαρκώς έναν τρόπο να κάνω τον χρόνο ορατό — όχι ως στιγμιότυπο, αλλά ως ροή που διαπερνά την εικόνα και της δίνει ζωή.
Η αισθητική μου εξελίσσεται οργανικά, παρότι ο πυρήνας της αναζήτησής μου παραμένει ο ίδιος. Στα πρώτα μου έργα, μέσα από τη φωτογραφία, το βίντεο και την περφόρμανς, εξερεύνησα τα όρια του εαυτού, της ταυτότητας και της σωματικότητας, συχνά μέσα από τη θεατρικότητα και την ειρωνεία. Με τα χρόνια, αυτή η γλώσσα έγινε πιο εσωτερική και πιο αφαιρετική.
Η δημιουργικότητα είναι μια κατάσταση ύπαρξης. Ο δημιουργός καλλιεργεί την ικανότητα να ακούει — να αντιλαμβάνεται ό,τι ήδη υπάρχει γύρω του και μέσα του, πριν ακόμη πάρει μορφή.
Για μένα, αυτό είναι η δημιουργία: να δημιουργείς χώρο, να επιτρέπεις στο άγνωστο να αναδυθεί και να εμπιστεύεσαι τον εαυτό σου αρκετά ώστε να το ακολουθήσεις.
Πιστεύω ακράδαντα ότι όπου κι αν έχω φτάσει — είτε αυτό είναι μέτριο, καλό ή πολύ καλό, δεν είναι δική μου υπόθεση να το κρίνω, το πέτυχα ως αποτέλεσμα των καθημερινών στιγμών του επαγγελματικού μου ταξιδιού. Δεν είναι μόνο οι τίτλοι σπουδών· δεν είναι οι πόρτες που είχα την τύχη να ανοίξουν στη ζωή μου· δεν είναι οι άνθρωποι που συνάντησα και με εμπιστεύτηκαν· δεν είναι οι αναγνωρίσιμες θέσεις. Δεν είναι οι μεγάλες στιγμές, όταν πέφτει πάνω σου το φως της δημοσιότητας.
Είναι οι αθέατες καθημερινές προσπάθειες, οι μικρές νίκες αλλά και ίσως ακόμα πιο σημαντικό, οι ήττες, ο τρόπος που διαχειριζόμαστε και τα δύο, η συνέπεια, η αδιάκοπη εργασία, οι ομάδες που χτίζονται στην πορεία, οι σχέσεις με τους ανθρώπους που συναντάς, να δίνεις πρώτα πριν περιμένεις να πάρεις, να βλέπεις τον στόχο και να μην χάνεις το βλέμμα σου από αυτόν, να κρατάς το κεφάλι χαμηλά, να εκτελείς όλες τις εργασίες και τις ευκολότερες και τις λιγότερο σημαντικές με προσοχή στη λεπτομέρεια.
Θα μπορούσα να αναφέρω κι άλλα πολλά, αλλά όλα μοιράζονται την ίδια ουσία: τις αξίες της καθημερινής ζωής. Οι μεγάλες στιγμές ήταν αυτές που τροφοδότησαν τη συνέχεια της προσπάθειας· δεν έφεραν την επόμενη επιτυχία. Άλλωστε, οι μεγάλες στιγμές συνήθως συνοδεύονται από ρίσκο και από τον κίνδυνο κάποιος να αισθανθεί αήττητος και να κάνει λάθη.
Η εξέλιξη είναι πάντα αποτέλεσμα ανάπτυξης· όταν μεγαλώνεις και αξιοποιείς όλες σου τις ικανότητες, τότε προχωράς στο επόμενο στάδιο. Οι εκθέσεις τέχνης με την παραδοσιακή τους μορφή απαιτούν γνώση από τον επισκέπτη και πολύ συχνά επιβάλλουν απόψεις. Οι επισκέπτες σήμερα είναι καλά εκπαιδευμένοι, και για να κερδίσεις την προσοχή τους χρειάζεται να διακόψεις το σενάριο της επίσκεψής τους. Πρέπει να τους μπερδέψεις — και αυτό συνήθως κάνω.
Όλα τα περιβάλλοντα διηγούνται ιστορίες — χρειάζεται μόνο να ξέρεις πώς να τις διαβάζεις. Για να αιχμαλωτίσω την προσοχή του αναγνώστη, δημιουργώ περιβάλλοντα Τυπολογικής Πολυπλοκότητας. Μια αρχαιολογική ανασκαφή μέσα σε ένα κτίριο κομμουνιστικού κόμματος που είναι ταυτόχρονα νυχτερινό κέντρο, παιδότοπος, χώρος συζητήσεων και sex club. Οι ιστορίες που αφηγείται ένα τέτοιο χώρο δεν εστιάζουν σε μια επίσημη αφήγηση, αλλά στα αμέτρητα μικρο-αφηγηματικά που συνήθως παραλείπονται από ιστορικούς και αρχαιολόγους. Το Παρθενώνα με ενδιαφέρει με τον τρόπο που τον ανακάλυψαν οι αρχαιολόγοι: ένα μέρος ήταν εκκλησία, άλλο τζαμί, αλλά και αποθήκη πυρομαχικών, εθνικό σύμβολο και εθνική ερείπια. Ο τρόπος που συνυπάρχουν τέτοιες αντιφατικές ερμηνείες είναι αυτό που ονομάζουμε τέχνη.
Χρησιμοποιώ τα χάπια και τις συσκευασίες τους τόσο για την αισθητική τους αξία όσο και επειδή λειτουργούν ως φορείς νοήματος και συνδηλώσεων. Τα χάπια με τα διάφορα χρώματα και σχήματα, οι κάψουλες και οι blister συσκευασίες με τη διαφάνεια και τη λάμψη τους, ή οι αλουμινένιοι blister που είναι μικρά γλυπτά από μόνα τους, δημιουργούν μια πληθώρα υλικών και ιδεών που χρησιμοποιώ όπως ένας άλλος καλλιτέχνης θα χρησιμοποιούσε χρώματα, πηλό, μωσαϊκά κ.λπ. Στους πολυέλαιούς μου οι διαφανείς κάψουλες γίνονται μικρά κρυστάλλινα στοιχεία που αντανακλούν το φως· στις ασπίδες μου τα blister δίνουν την αίσθηση μιας αδιαπέραστης μεταλλικής επιφάνειας· και στο «ταπετσαρισμένο» με σακούλες φαρμακείου, η τακτική συσσώρευση πλαστικού γίνεται ένα σύγχρονο παλίμψηστο της εικόνας της πόλης. Οι δυνατότητες είναι ατελείωτες.
Πιστεύω ότι με τα χρόνια, αν και συνεχίζω να δουλεύω με θέματα που αφορούν τη θεραπεία και την ιατρική, το έργο μου εξελίσσεται τόσο σε επίπεδο νοήματος — καθώς εξετάζω συνεχώς διαφορετικές πτυχές αυτών των θεμάτων — όσο και σε επίπεδο μορφής, υλικών και μέσων. Η ιατρική και η θεραπεία αποτελούν μια μεγάλη «ομπρέλα» με πολλά υποθέματα που σχετίζονται με την επιστήμη, τον τρόπο ζωής μας και σύγχρονα ζητήματα, όλα όσα λειτουργούν ως πηγές έμπνευσης για μένα.
To design μπήκε στη ζωή μου όταν εγκατέλειψα το πανεπιστήμιο και άρχισα να δουλεύω για να συντηρηθώ ως τεχνίτης σε ένα εργαστήριο ειδικών κατασκευών, κυρίως για τη βιομηχανία του κινηματογράφου. Η επαφή με τεχνίτες, σχεδιαστές, art directors και αρχιτέκτονες με ώθησε να «ασχοληθώ σοβαρά» και να ξεκινήσω σπουδές σχεδίασης παράλληλα με την εργασία μου.
Η εμπειρία που απέκτησα δουλεύοντας σε ειδικές κατασκευές για τον κινηματογράφο και το γεγονός ότι είχα πρόσβαση σε ένα πλήρως εξοπλισμένο εργαστήριο με εργαλεία και υλικά, πυροδότησε τα πρώτα μου δημιουργικά βήματα.
Αυτό με το οποίο νιώθω πραγματικά υπερήφανος είναι ότι όλα όσα έχω καταφέρει έχουν χτιστεί από το μηδέν — με πολύ προσοχή, υπομονή και σκληρή δουλειά. Η επιμονή μου να δημιουργώ και να εκφράζομαι μέσω του design, στηριζόμενος στις δικές μου δυνάμεις, είναι που μου δίνει τη δύναμη να προχωράω.
Η αυθεντικότητα δεν είναι τελειότητα. Είναι μια εσωτερική εμπειρία — γνήσια και μοναδική, παρά τις ατέλειες και τις αδυναμίες της.
Το αυθεντικό δεν κάνει φασαρία· επικρατεί ήσυχα. Βασίζεται στη δική του έμφυτη φύση.
Η μεγαλύτερη επιτυχία ήταν η ικανότητα να εκφράσω τη δημιουργικότητά μου στο μέγιστο δυνατό επίπεδο. Η Carla Sozzani και η Condé Nast μου έδωσαν την ελευθερία να δημιουργώ χωρίς περιορισμούς, με πλήρη εμπιστοσύνη. Αυτό ήταν καθοριστικό. Μου επέτρεψε να φέρνω στο φως όσα είχα κουβαλήσει μέσα μου από την παιδική ηλικία — τη δημιουργική σπίθα, την αγάπη μου για τη μόδα, την τέχνη και την ομορφιά.
Ταξίδεψα σε εκπληκτικά μέρη — Νέα Υόρκη, Μιλάνο, Λος Άντζελες, σε όλη την Αμερική — και λάτρεψα καθένα από αυτά βαθιά.
Αλλά η Ινδία είναι ένα κομμάτι της καρδιάς μου· την αγαπώ χρόνια και έχω εκεί αγαπημένους φίλους. Και φυσικά, αγαπώ βαθιά την Ελλάδα — την πατρίδα μου.
Η μόδα ήταν πάθος από μικρή ηλικία. Είχα φυσικό ένστικτο για αισθητική, ομορφιά και εικόνες.
Δεν ασχολούμαι ιδιαίτερα με τους «σχεδιαστές». Δεν με ενδιαφέρει η υπογραφή σε ένα ρούχο ούτε έχω είδωλα. Εκτιμώ το ταλέντο, φυσικά, αλλά συνολικά προτιμώ τα vintage, τα καλά κατασκευασμένα, τα ξεχωριστά κομμάτια.
Μου αρέσει να φοράω μοναδικά αντικείμενα, συχνά φτιαγμένα από εμένα, κατασκευασμένα από παλιά υφάσματα με χαρακτήρα. Να φοράω τη δική μου ταυτότητα — όχι κάποιου άλλου.
Σε κάθε εποχή, ο ρόλος των διανοουμένων είναι θεμελιώδης. Είναι εκείνοι που προστατεύουν και ενισχύουν την ικανότητα μιας κοινωνίας να σκέφτεται, να αισθάνεται και να οραματίζεται. Μας δίνουν τα εργαλεία για να κατανοήσουμε την πραγματικότητα σε βαθύτερο επίπεδο. Μεταμορφώνουν το χάος σε αφήγηση και μας θυμίζουν ότι η ουσία δεν βρίσκεται σε ό,τι κάνει θόρυβο, αλλά σε ό,τι αντανακλά — και δημιουργεί.
Έχω ιδιαίτερο ενδιαφέρον για μοίρες που λειτουργούν ως σημεία αναφοράς, και για το πώς αυτές οι μοίρες εγγράφονται στη μεγαλύτερη ανθρώπινη περιπέτεια. Πρόκειται για άτομα που, με το παράδειγμά τους, δείχνουν ότι για να προχωρήσει κανείς πρέπει να παραμείνει πιστός στο όραμά του — και, πάνω απ’ όλα, να τολμήσει. Πάντοτε με γοήτευε το τι κάνει έναν άνθρωπο να γίνει αυτό που είναι. Πώς σχηματίζεται ο μύθος του. Και αναφέρομαι όχι μόνο στον μύθο ως πρότυπο προς μίμηση, αλλά και ως αφήγηση. Ένα θεμελιώδες στοιχείο του ανθρώπινου πνεύματος είναι η αφήγηση. Κατανοούμε τη ζωή μέσα από την αναφορά γεγονότων, καταστάσεων και εμπειριών. Αυτό μας εμπνέει και μας κινητοποιεί, το μετατρέπουμε σε όραμα για να προχωρήσουμε.
Πιστεύω ότι η καλή πρόθεση και η στοχαστική προσέγγιση ενός θέματος εμπνέουν αίσθημα ασφάλειας και εμπιστοσύνης στο άτομο με το οποίο μιλάς. Για να εμπλακείς σε ουσιαστικό διάλογο σε οποιοδήποτε θέμα, πρέπει να το κατανοήσεις πραγματικά.
Χωρίς προηγούμενη εμπειρία με το νήμα, με τράβηξε η ιδέα του ενώ έψαχνα για ένα υλικό που θα μπορούσε να προσφέρει μια ζεστή έκφραση του φωτός. Το νήμα μου φαινόταν πάντα ένα πρωταρχικό υλικό, συνήθως χρησιμοποιούμενο με πιο παραδοσιακούς τρόπους — το θαύμαζα στα υφαντά, που είναι αληθινά έργα τέχνης — αλλά άρχισα να βλέπω ότι θα μπορούσε επίσης να γίνει ένα τρισδιάστατο «ένδυμα» για να φωτίσει διάφορα είδη αντικειμένων.
Ξεκίνησα να σχεδιάζω και να κατασκευάζω τα κομμάτια Reywal με νήμα. Η χρήση του νήματος ως υλικό φέρει αναμνήσεις της παράδοσης, που πλέον επαναπροσδιορίζονται μέσω του φωτός. Αρχικά, το φως ήταν απλώς εγκλωβισμένο στη συμβατική του μορφή, αλλά καθώς το έργο εξελίχθηκε, ανακάλυψα ότι το νήμα προσφέρει μεγάλη ελευθερία. Έγινε εργαλείο σύγχρονης έκφρασης, επιτρέποντας νέα θέματα και οπτικές γλώσσες. Ξεκινώντας από ένα μόνο νήμα, αρχίζεις να δημιουργείς τον δικό σου κόσμο.
H Katerina Psoma και η Bla Bla συλλογή της συνδέει τις γυναίκες με έναν μοναδικά αυθεντικό τρόπο
Δεν θα μπορούσα ποτέ να φανταστώ πόσο συναρπαστική θα ήταν αυτή η ιδέα. Το πώς κάποιος ορίζει τον εαυτό του μέσα από μια μόνο λέξη που τολμά να φορέσει γύρω από τον λαιμό του. Έχει να κάνει με την ταυτότητά μας και το πώς συνδεόμαστε με τον έξω κόσμο. Κάποιες γυναίκες επέλεξαν τα δικά τους ονόματα, άλλες τα αρχικά των παιδιών τους, και υπήρχαν και λέξεις που αντικατόπτριζαν το ποιοι είναι—όπως η λέξη «χαρά».
Εκείνο το βράδυ ήταν ένας εορτασμός της μοναδικότητας—του πώς η καθεμία από εμάς φέρει κάτι ξεχωριστό και το εκφράζει μέσα από ένα κόσμημα. Ήταν πραγματικά συγκινητικό να βλέπεις γυναίκες που δεν γνώριζαν η μία την άλλη να αρχίζουν να μιλούν, να γελούν, να αγκαλιάζονται. Ήταν κάτι πραγματικά συναισθηματικό. Φυσικά, το κατάστημα Wait and See είναι ένας χώρος που φέρνει φυσικά τους ανθρώπους κοντά μέσω της μοναδικής του ταυτότητας.
Όσον αφορά τα επιτεύγματα, νομίζω ότι είμαι αρκετά αυστηρή με τον εαυτό μου. Έχω κάνει πολλά πράγματα στη ζωή μου, αλλά εστιάζω στα ουσιώδη: να είμαι καλή μητέρα, καλή φίλη, καλή κόρη. Και να ηγούμαι μιας ομάδας που δημιουργεί όμορφα κοσμήματα. Αγαπώ το γεγονός ότι βοηθάω τις γυναίκες να αισθάνονται πιο δυνατές και πιο όμορφες στην καθημερινότητά τους.
Όντας Έλληνας, ειδικά ζώντας στο εξωτερικό, είναι σχεδόν αδύνατο να ξεφύγεις από την ιστορία σου, γιατί πάντα βρίσκει τρόπο να σε ακολουθήσει. Έτσι ξεκίνησε η ιστορία των αμφορέων. Ήξερα ότι στην αρχαία Ελλάδα υπήρχε μια μειονότητα αμφορέων κατασκευασμένων από χρυσό. Αυτοί χρησιμοποιούνταν είτε ως ταφικά είτε ως θρησκευτικά αντικείμενα από θνητούς που τα πρόσφεραν στους θεούς — για να ζητήσουν εύνοιες ή απλώς για να εκφράσουν θαυμασμό. Με αυτήν την έννοια, οι αμφορείς μου που προσποιούνται ότι είναι χρυσοί είναι η δική μου προσφορά στο σύγχρονο «πάνθεον».
Η Ελλάδα βρίσκεται στον πυρήνα της δουλειάς μου. Υπάρχει στη μορφή, στο φως και στην αναφορά στο ιερό. Ιδανικά, θα ήθελα ο θεατής να νιώσει μια αίσθηση οικειότητας, σαν να αναγνωρίζει κάτι από το παρελθόν, αλλά ταυτόχρονα να εκπλήσσεται από τη σύγχρονη έκφρασή του. Θα ήθελα να νιώσει ηρεμία, αρμονία και ίσως ακόμη να σκεφτεί τι θεωρούμε πολύτιμο σήμερα. Να βλέπει την Ελλάδα ως ζωντανή πηγή έμπνευσης και όχι ως ένα στατικό μουσείο.
Η αρχιτεκτονική υπήρξε πάντα ο τρόπος με τον οποίο σκέφτομαι και δημιουργώ. Μου δίδαξε πώς να βλέπω τη μορφή, την αναλογία, το φως και τον χώρο που περιβάλλει το σώμα. Με τον καιρό, όμως, ένιωσα την ανάγκη για μια πιο άμεση, πιο χειροπιαστή μορφή έκφρασης — κάτι χειροποίητο, κάτι που μπορείς να αγγίξεις και να φορέσεις.
Η πρώτη ιδέα γεννήθηκε ακριβώς από αυτή την ανάγκη: να ενώσω την πειθαρχία της αρχιτεκτονικής με τη φυσική, οργανική φύση του σώματος. Τα κοσμήματα έγιναν για μένα μια μορφή μικρο-αρχιτεκτονικής, μια δομή που φέρει μέσα της συναίσθημα, ιστορία και ταυτότητα. Εκεί ξεκίνησε όλα, με μια διακριτική αλλαγή που σταδιακά εξελίχθηκε σε ολόκληρο ταξίδι.
Τα κοσμήματά μου εξελίχθηκαν φυσικά σε μικρές γλυπτικές μορφές, καθώς το ενδιαφέρον μου για τη σχέση τους με το πρόσωπο και την κίνηση του σώματος μεγάλωνε. Η εκκεντρικότητα και η πρωτοτυπία δεν αποτελούν στόχους από μόνες τους, αλλά αποτελέσματα αυτής της εξερεύνησης. Κατευθύνομαι προς κομμάτια με ισχυρότερη παρουσία — έργα που λειτουργούν ως δηλώσεις, διατηρώντας παράλληλα τη σαφήνεια της δομής.
Το να είμαι μέρος του καλλιτεχνικού οικοσυστήματος του Λονδίνου μου έδειξε την αθέατη εργασία πίσω από τις εκθέσεις· τις ατελείωτες ώρες στο στούντιο, τις διαδικασίες επιμέλειας, τον συντονισμό της λογιστικής και την συναισθηματική επένδυση που απαιτείται για να παρουσιαστεί η τέχνη στο κοινό.
Αυτό που με εντυπωσίασε περισσότερο είναι πόσο ρευστό είναι το πεδίο: οι καλλιτέχνες γίνονται επιμελητές, οι εικονογράφοι ανακαλύπτουν ότι μπορούν να γράφουν, και οι δημιουργικοί μεταβαίνουν σε ρόλους που ποτέ δεν φαντάζονταν. Αυτή η διασύνδεση μου αποκάλυψε ότι ο κόσμος της τέχνης δεν είναι γραμμικός και με βοήθησε να συνειδητοποιήσω ότι πέρα από τη δημιουργία τέχνης, με έλκει φυσικά η έρευνα και η πλευρά της αγοράς της τέχνης.
Η εικονογράφηση είναι αυτό που θεωρώ ότι με αντιπροσωπεύει καλύτερα και εκφράζει τις ιδέες που θέλω να μεταδώσω, αν και η ζωγραφική και η χαρακτική παραμένουν τα θεμέλιά μου, και στο μέλλον είναι πιθανό να στραφώ ξανά σε αυτά τα μέσα. Για τώρα, βρίσκω ότι η ανάμειξη εικονογράφησης με υδατοχρώματα και σχέδια με στυλό είναι αυτό που αγαπώ περισσότερο. Νομίζω επίσης ότι αυτό συνδέεται με την ευκολία πρόσβασης και τη δυνατότητα να δουλεύω οπουδήποτε χωρίς στούντιο, επιτρέποντάς μου να αποτυπώνω τις ιδέες μου αμέσως.
H Anthe Mitrakos editor του Portes magazine διατηρεί ζωντανό το ελληνικό πνεύμα
Πριν από περισσότερα από δέκα χρόνια, η αδερφή μου κι εγώ συνδυάσαμε τις σπουδές μας και την αγάπη μας για την Ελλάδα, την αφήγηση ιστοριών και την τέχνη, για να ξεκινήσουμε το πάθος μας, το Portes. Αρχικά, στόχος μας ήταν να φέρουμε ένα αυθεντικό κομμάτι Ελλάδας πίσω στην ελληνo-αμερικανική κοινότητα. Από τότε, η οικογένεια του Portes έχει μεγαλώσει σε παγκόσμιο επίπεδο, εμπνέοντας ανθρώπους πέρα από την κοινότητα που αρχικά θέλαμε να προσεγγίσουμε. Αυτό είναι κάτι για το οποίο νιώθω τεράστια υπερηφάνεια και μου δίνει κίνητρο να συνεχίσω να ανακαλύπτω υπέροχους ανθρώπους και να ανταλλάσσω μαζί τους εμπνευσμένες ιστορίες.
Η φυσική ομορφιά της Ελλάδας έχει εμπνέει διαχρονικά τους κατοίκους της αλλά και εκείνους που πέρασαν από αυτήν. Από το πλάσιμο του πηλού που αντλείται από τη γη σε έργα τέχνης και καθημερινά αντικείμενα, μέχρι την ανάπτυξη μιας εξερευνητικής ναυτικής κουλτούρας καθοδηγούμενης από τη θάλασσα, η φύση υπήρξε συνεχής πηγή δημιουργικότητας και καινοτομίας.
Η δημιουργικότητα υπήρχε πάντα μέσα μου. Νιώθω ότι είναι στο DNA μου, στον τρόπο που μεγάλωσα και στην ελευθερία που είχα από πολύ μικρή ηλικία να τη νιώθω και να την εκφράζω χωρίς «πρέπει» και χωρίς προκαθορισμένη κατεύθυνση. Αυτή η ελευθερία ήταν καθοριστική, γιατί μου επέτρεψε να αναπτύξω τη φαντασία και την οπτική μου φυσικά, χωρίς φόβο. Για πολλά χρόνια, αυτή η δημιουργική ενέργεια εκφραζόταν μέσα από τη δουλειά μου στην επικοινωνία, όπου έμαθα να οργανώνω την έμπνευση και να της δίνω δομή. Κάποια στιγμή, όμως, ένιωσα ξεκάθαρα ότι αυτό που πάντα υπήρχε μέσα μου ζητούσε να βγει στην επιφάνεια.
Η τέχνη δεν εμφανίστηκε ξαφνικά στη ζωή μου. Αντίθετα, μέσα από τις επιλογές και τις εμπειρίες μου, σταδιακά πήρε πρωταγωνιστικό ρόλο. Από ένα εργαλείο, έγινε προσωπική γλώσσα. Με τον χρόνο, διαμορφώθηκε μέσα από τις ζωντανές εμπειρίες, τα ταξίδια, τη σύνδεσή μου με την Ελλάδα και την ανάγκη να εκφράσω κάτι αληθινό, φωτεινό και ουσιαστικό.
Σήμερα, η τέχνη είναι μια φυσική συνέχεια του ποια υπήρξα πάντα: ένας τρόπος ύπαρξης, επικοινωνίας και εξέλιξης, παραμένοντας πιστή στην ελευθερία και το συναίσθημα που με καθόρισαν από την αρχή.
Η έκθεση Be Earth Νο Μοre της κεραμίστριας Μυρτώς Παπαδοπούλου στο Arch Workshop στην Αθήνα
Το ταξίδι μου στην κεραμική δεν ήταν γραμμικό, αλλά οργανικό, όπως ακριβώς και το ίδιο το υλικό. Οι σπουδές μου ακολούθησαν περίοδοι έντονης αναζήτησης, πειραματισμού και πρακτικής, μαζί με συνεργασίες και εκθέσεις που με βοήθησαν να κατανοήσω καλύτερα τη θέση μου στο σύγχρονο καλλιτεχνικό τοπίο. Κάθε βήμα — ακόμη και οι στιγμές αμφιβολίας — με έφερναν πιο κοντά στην ανάπτυξη μιας δικής μου οπτικής γλώσσας.
Η πρώτη ιδέα γεννήθηκε από την ανάγκη επαφής με κάτι απτό και γειωμένο. Η κεραμική μου επέτρεψε να συνδυάσω τη σκέψη με το σώμα. Με τον χρόνο, αυτή η αρχική έλξη εξελίχθηκε σε συνειδητή επιλογή: άρχισα να βλέπω το πηλό όχι μόνο ως υλικό, αλλά ως φορέα μνήμης, χρόνου και συναισθήματος. Η πρακτική μου ωρίμασε μέσα από τον συνεχόμενο πειραματισμό και την αποδοχή της αβεβαιότητας.
Με τα χρόνια, απομακρύνθηκα από την υπερβολή και πλησίασα την ουσία. Σήμερα, πιστεύω ότι ο σχεδιασμός αποκτά αξία όταν είναι συνειδητός, βιώσιμος και συναισθηματικά ειλικρινής. Ένα αντικείμενο πρέπει να εισέρχεται σε διάλογο με τον χρήστη του και να μπορεί να αντέξει στον χρόνο.
Έχω βαθύ θαυμασμό για τη γυναικεία ομορφιά και δύναμη, που αποτελούν βασικά στοιχεία και κύριες επιρροές πίσω από όλα όσα σχεδιάζω. Όλες οι δημιουργίες μου είναι επέκταση της προσωπικότητάς μου· κάθε νέος σχεδιασμός αντικατοπτρίζει τη φάση της ζωής στην οποία βρίσκομαι εκείνη τη στιγμή. Όσο περισσότερο εργάζομαι με τον εαυτό μου, τόσο περισσότερο αυτό αντανακλάται στα σχέδιά μου.
Όλα αυτά τα στοιχεία συνδέονται βαθιά με τη γυναικεία φύση και ομορφιά. Οι αλυσίδες παραπέμπουν σε κίνηση και καμπυλότητα, τα κοχύλια μου θυμίζουν γοργόνες, οι διαφάνειες φέρουν μια αισθησιακή ποιότητα και οι οργανικές μορφές συνδέονται με τη Μητέρα Φύση. Τον τελευταίο καιρό επικεντρώνομαι ιδιαίτερα και εργάζομαι ενεργά με σκαλιστές πέτρες. Σχεδιάζω τις ιδέες μου στο χαρτί και στη συνέχεια τις στέλνω σε ειδικούς χαράκτες στην Τζαϊπούρ της Ινδίας, οι οποίοι δημιουργούν χειροποίητα αριστουργήματα.
Κάθε δημιουργικό και καλλιτεχνικά σκεπτόμενο άτομο γύρω μου με βοηθά, ακόμη και υποσυνείδητα, να ανοίγω το μυαλό μου και να καταρρίπτω τον συντηρητισμό, τα όρια και τα φράγματα που συχνά θέτω στον εαυτό μου.
Το Anthologist υπήρξε μια αυθόρμητη απάντηση σε ένα κενό που ένιωθα στον χώρο του design. Ένας τόπος όπου η εμμονή μου με την ατμόσφαιρα συναντούσε την πολυετή μου αγάπη για αντικείμενα, τεχνίτες και τις μικρές λεπτομέρειες. Με άλλα λόγια: παρατήρησα τα κενά και έκανα αυτό που κάνω πάντα. Τα έβαλα μπροστά μου και τα γέμισα.
Με το υπόβαθρό μου στα ταξίδια, πέρασα τη ζωή μου κοντά σε δημιουργούς, ατελιέ, εργαστήρια και αγορές. Η μητέρα μου με πήγαινε στα πίσω σοκάκια της Καραϊβικής για να βρούμε έναν τεχνίτη, και αυτήν την ευαισθησία τη μετέφερα και στην ενήλικη ζωή μου. Με τον καιρό συνειδητοποίησα ότι είχα δημιουργήσει ένα δίκτυο τεχνιτών και αντικειμένων που άξιζαν ένα πιο στοχευμένο «σπίτι». Το Anthologist ήταν απλώς το φυσικό επόμενο βήμα.
Με ελκύει η νοημοσύνη των υλικών, τα αντικείμενα που είναι καλά κατασκευασμένα και έχουν βαθιές ρίζες στον πολιτισμό τους. Συχνά με τραβάει και η ατέλεια· μας θυμίζει να μένουμε ειλικρινείς απέναντι στη ζωή.
Το Anthologist νιώθω ότι είναι συνέχεια όλων όσων μου δίδαξαν οι γονείς μου: η σημασία της χειροτεχνίας, η δύναμη της συλλογής με πρόθεση, και η πίστη ότι τα αντικείμενα κουβαλούν ιστορίες που διασχίζουν γενιές.
